Gdy tylko muzyka przeniosła się poza kościół, natychmiast powstało wiele nowych gatunków muzycznych. Muzyka towarzyszyła jej kochankom przez całe życie, zabrzmiała nie tylko w teatrze czy na koncercie, ale także podczas spaceru, polowania, biesiady itp. W XVIII wieku dużą popularnością cieszyły się rejsy wycieczkowe małymi łódkami. Stąd pojawił się niezwykły gatunek muzyczny - „muzyka na wodzie”. Przy ciepłej i słonecznej pogodzie w parkach rozbrzmiewała muzyka, więc pojawiła się muzyka plenerowa. Ale najbardziej rozpowszechniona była muzyka kameralna, którą wykonywała niewielka liczba muzyków. Słowo kamera ma pochodzenie łacińskie i tłumaczy się jako „pokój, oddział”. Każda część kompozycji kameralnej jest wykonywana przez jeden instrument

W XVIII-XIX wieku. kameralistyka rozbrzmiewa wszędzie, w salonach, salonach, małych salach koncertowych. Na dworach cesarskich były nawet stanowiska – kameralistów. Z biegiem czasu zmieniły się warunki społeczne, jednak kameralistyka rozbrzmiewa do dziś.

Z reguły w kameralistyce panuje atmosfera, w której słuchacze i wykonawcy znajdują się blisko siebie. W kameralistyce wykonawcy mogą osobiście poznać publiczność, doskonale ją widzieć, grać i wykonywać muzykę dla konkretnych osób.

Taka atmosfera nadaje tej muzyce swoistego charakteru, napawa słuchaczy swoją subtelnością, wyrafinowaniem i pewnością siebie. Muzyka kameralna przeznaczona jest dla wąskiego kręgu osób.

Muzyka kameralna wnika głęboko w wewnętrzny świat człowieka, słuchając takiej muzyki, wydaje się osobie, że została napisana specjalnie dla niego, pojawia się poczucie komfortu, stabilności, dusza staje się ciepła i przytulna, znika całe światowe zamieszanie gdzieś.

Istnieje wiele form i gatunków muzyki kameralnej. Obejmuje to sonaty, duety, tria, kwartety i tak dalej, wszelkiego rodzaju miniatury, romanse. Koncerty, kantaty, suity mogą być także muzyką kameralną. A w XX wieku zaczęto pokazywać dzieła, które nazywano „muzyką kameralną”.

Tę muzykę można komponować w różnych stylach. Główną cechą tej muzyki jest to, że jest przeznaczona dla niewielkiej liczby muzyków.

Wykonawcy muzyki kameralnej tworzą zespół kameralny liczący od 2 do 10 osób.

Dziś są nawet orkiestry kameralne, z reguły jest to niewielki skład - 15 - 20 osób, orkiestra smyczkowa z dodatkiem instrumentów dętych.

Najbardziej znanymi wykonawcami muzyki kameralnej są Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow, Ludwig van Beethoven, Johannes Brahms, Georges Bizet, Johann Sebastian Bach.

Dzisiejsza muzyka kameralna jest zupełnie inna. Może to być wokal, solowy, instrumentalny, zespołowy, mieszany, orkiestrowy, chóralny, a nawet teatralny. Dlatego wiele grup muzycznych nazywa się kameralnymi. Na przykład chór kameralny, orkiestra kameralna, muzyczny teatr kameralny i inne. Ich występy mogą odbywać się zarówno w małych salach koncertowych, jak i dużych.

Esteci, koneserzy czy po prostu miłośnicy piękna odnajdą w muzyce kameralnej spokój i ciszę.

Chyba każdy człowiek nie jest obojętny na muzykę. Towarzyszy ludzkości nierozerwalnie, nie da się dokładnie określić, kiedy dana osoba nauczyła się ją dostrzegać. Najprawdopodobniej stało się to, gdy nasz przodek, próbując wyrazić swoje emocje, uderzył o podłogę.Od tego czasu człowiek i muzyka są ze sobą nierozerwalnie związane, dziś istnieje wiele jej gatunków, stylów i nurtów. To muzyka folklorystyczna, duchowa i wreszcie klasyczna instrumentalna - symfoniczna i kameralna. Prawie każdy wie, że taki kierunek, jak kameralistyka istnieje, ale niewielu wie, jakie są jego różnice i cechy. Spróbujmy to rozgryźć w dalszej części artykułu.

Historia muzyki kameralnej

Historia muzyki kameralnej sięga średniowiecza. W XVI wieku muzyka zaczęła wychodzić poza kościoły. Niektórzy autorzy zaczęli pisać utwory, które były wykonywane poza murami kościoła dla wąskiego grona koneserów. Należy zaznaczyć, że początkowo były to tylko partie wokalne, a muzyka kameralno-instrumentalna pojawiła się znacznie później. Ale najpierw najważniejsze.

Czarująca muzyka kameralna. Jak nazwa pochodzi od włoskiego słowa kamera („pokój”), zapewne każdy pamięta. W przeciwieństwie do muzyki kościelnej i teatralnej, muzyka kameralna była pierwotnie przeznaczona do wykonywania w pomieszczeniach przez niewielką grupę dla wąskiego kręgu słuchaczy. Z reguły występ odbywał się w domu, a później - w małych salach koncertowych. Muzyka kameralno-instrumentalna osiągnęła swój szczyt popularności w XVIII-XIX wieku, kiedy to we wszystkich salonach zamożnych domów odbywały się podobne koncerty. Później arystokraci wprowadzili nawet pełnoetatowe stanowiska jako muzycy.

Obrazy muzyki kameralnej

Początkowo muzyka kameralna miała być wykonywana przed wąskim kręgiem osób, które były jej koneserami i koneserami. A wielkość sali, w której odbywał się koncert, pozwoliła wykonawcom i słuchaczom na bliski kontakt. Wszystko to tworzyło niepowtarzalną atmosferę przynależności. Być może dlatego sztuka ta charakteryzuje się dużą zdolnością do ujawniania lirycznych emocji i rozmaitych niuansów ludzkich przeżyć.

Gatunki muzyki kameralnej są najdokładniej zaprojektowane do przekazania za pomocą zwięzłych, ale jednocześnie szczegółowych środków. W przeciwieństwie do partii wykonywanych przez grupy instrumentów, w takich utworach każdy instrument ma swoją partię i wszystkie są praktycznie sobie równe.

Rodzaje kameralnych zespołów instrumentalnych

Wraz z rozwojem historii rozwijała się także muzyka kameralna. To, że taki kierunek powinien mieć jakieś cechy w stosunku do wykonawców, nie wymaga dowodu. Nowoczesne zespoły instrumentalne to:

• duety (dwóch wykonawców);
• trio (trzech członków);
• kwartety (cztery);
• kwintety (pięć);
• sekstety (sześć);
• septety (siedem);
• oktety (osiem);
• nonet (dziewięć);
• decymetry (dziesięć).

Jednocześnie skład instrumentalny może być bardzo różnorodny. Może zawierać oba instrumenty smyczkowe, a do jednej grupy mogą należeć tylko instrumenty smyczkowe lub tylko instrumenty dęte. I mogą istnieć mieszane zespoły kameralne - szczególnie często jest w nich zawarty fortepian. Na ogół ich komponowanie ogranicza się tylko do jednego – wyobraźni kompozytora i to najczęściej nieograniczone. Oprócz tego istnieją również orkiestry kameralne – zespoły liczące nie więcej niż 25 muzyków.

Gatunki instrumentalnej muzyki kameralnej

Nowoczesne gatunki muzyki kameralnej ukształtowały się pod wpływem tak wielkich kompozytorów jak W. A. ​​Mozart, L. Beethoven, J. Haydn. To właśnie ci mistrzowie stworzyli dzieła niedoścignione pod względem wyrafinowania treści i emocjonalnej głębi dzieła. Sonaty, duety, tria, kwartety i kwintety składali swego czasu hołd najsłynniejszym romantykom XIX wieku: F. Mendelssohnowi, R. Schumannowi, F. Schubertowi, F. Chopinowi. Ogromną popularność zyskał także gatunek miniatur instrumentalnych (nokturny, intermezzo).

Są też koncerty kameralne, suity, fugi, kantaty. W XVIII wieku gatunki muzyki kameralnej były bardzo zróżnicowane. Ponadto wchłaniały cechy stylistyczne innych nurtów i stylów. Na przykład dążenie L. Beethovena do przesunięcia granic takiego zjawiska, jakim jest muzyka kameralna, jest tak wyraźnie prześledzone, że takie jego dzieło, jak Sonata Kreutzera, w swoim monumentalizmie i intensywności emocjonalnej w niczym nie ustępuje twórczości symfonicznej.

Gatunki wokalnej muzyki kameralnej

W XIX wieku ogromną popularność zyskała kameralistyka wokalna. Powstającym nowym gatunkom pieśni i romansu artystycznego hołd składali m.in. R. Schumann, F. Schubert, I. Brahms. Kompozytorzy rosyjscy wnieśli nieoceniony wkład w światową kolekcję muzyki kameralnej. Wspaniałe romanse MI Glinki, P. I. Czajkowskiego, M. P. Musorgskiego, M. A. Rimskiego-Korsakowa nie pozostawiają dziś nikogo obojętnym. Oprócz drobnych utworów istnieje również gatunek opery kameralnej. Implikuje obecność niewielkiej liczby wykonawców i nie wymaga dużej sali do inscenizacji.

Muzyka kameralna dzisiaj

Oczywiście dzisiaj praktycznie nie ma takich domów, w których, jak w minionych wiekach, grają zespoły kameralne w ograniczonym kręgu ludzi. Jednak wbrew panującym stereotypom, kierunek ten pozostaje bardzo popularny. Sale muzyki organowej i kameralnej na całym świecie gromadzą miliony miłośników zarówno dzieł kompozytorów klasycznych, jak i autorów współczesnych. Regularnie odbywają się festiwale, podczas których znani i wschodzący wykonawcy dzielą się swoją sztuką.

Nazwa gatunku muzycznego pochodzi od łacińskiego słowa tłumaczonego jako „pokój”. Od razu wskazuje to na jego specyfikę - występ małych grup muzyków w ograniczonej przestrzeni. Sama nazwa miała podkreślać odmienność od muzyki kościelnej w czasach, gdy muzyka wykonywana w kościołach była bardzo rozpowszechniona. W tym przypadku każda pojedyncza partia jest wykonywana jednym głosem lub grana przez jeden instrument.

Muzyka kameralna obejmuje wiele gatunków. Główne z nich to: opery, miniatury, romanse, preludia, sonaty instrumentalne. Tematyka charakterystyczna dla muzyki kameralnej jest bardzo różnorodna. Charakteryzuje się dążeniem do uszczegółowienia rytmu i melodii, a także równości głosów. Ogólnie charakteryzuje się emocjonalnością i tekstami.

Pod koniec XX wieku gatunek został zdemokratyzowany, a utwory dla niego nie są pisane dla wąskiego kręgu amatorów. Obecnie wykonujący go zespół muzyczny nazywany jest zespołem kameralnym, który może liczyć od 2 do 10 osób. Jednak w niektórych przypadkach muzyków może być więcej.

Istnieje kilka popularnych odmian takiego zespołu. Duet fortepianowy, w który może zaangażować się jeden lub dwóch muzyków (mogą grać na cztery ręce na jednym instrumencie lub każdy z osobna). Obecnie popularne jest także trio smyczkowe, składające się z wiolonczeli, altówki i zwykłych skrzypiec. To samo trio może zawierać fortepian o takim samym składzie jak w poprzedniej wersji, ale nie zawiera altówki. Skrzypce, wiolonczela i altówka, uzupełnione fortepianem, nazywane są kwartetem fortepianowym. Ten sam fortepian wraz z kwartetem smyczkowym daje kwintet fortepianowy. Kwintet smyczkowy to połączenie kwartetu smyczkowego z wiolonczelą, którą w tym utworze można zastąpić altówką.

Muzykę kameralną napisało wielu znanych kompozytorów. Należą do nich Ravel, Debussy, Brahms, Schumann.

Istnieje również taki podgatunek jak opera kameralna. Najbardziej znanym jej przykładem jest praca „Ariadne auf Naxos”, napisana przez Schuberta.

W przypadku orkiestr kameralnych utwory pisane są często w stylu sonat instrumentalnych i romansów.

Opcja 2

Sam termin „muzyka kameralna” pochodzi od łacińskiego słowa „camera”, co oznacza „pokój”. Utwory kameralne wykonywane były początkowo tylko w małych salach (stąd nazwa) przed niezbyt liczną publicznością - głównie koneserami sztuki.

Partie instrumentalne są tu pisane i wykonywane osobno, w przeciwieństwie do muzyki symfonicznej. W nim wszystkie partie są wykonywane za pomocą grup instrumentów, a nie indywidualnie.

Skład instrumentów w zespole kameralnym może być jak najbardziej różnorodny. Wszystko zależy wyłącznie od wyobraźni kompozytora. Jedynym ograniczeniem jest to, że orkiestra kameralna nie może składać się z więcej niż 25 muzyków.

Ten rodzaj muzyki ma swoje korzenie, jak się uważa, już w średniowieczu - około XVI-XVII wieku. Wtedy pojęcie „muzyki kameralnej” oznaczało tzw. muzykę świecką (nie teatralną i nie kościelną). Wykonywano go z reguły albo w domu, albo na dworze monarchy.

Odkąd później muzyka kameralna zaczęła być wykonywana na imprezach publicznych, termin ten nieco zmienił swoje znaczenie. Od około połowy XVIII wieku pojęcie „muzyki kameralnej” odnosi się do utworów, w których każdy wykonawca ma swoją własną, odrębną rolę. W pierwotnym znaczeniu termin ten prawie nigdy nie jest używany, choć nadal panuje opinia, że ​​muzykę kameralną najlepiej odbiera się w małych przestrzeniach.

Klasyfikacja zespołów wykonujących muzykę kameralną:

• Duety (2 członków)
• Trio (3 członków)
• Kwartety (4 członków)
• Kwintety (5 uczestników)
• Sekstety (6 członków)
• Septets (7 członków)
• Oktety (8 członków)
• Nonets (9 członków)
• Dziesiętne (10 uczestników)

Wkład kompozytorów rosyjskich w rozwój kameralistyki jest nieoceniony. Około lat 70. XVIII wieku pojawiła się moda na kameralistykę. Bardzo szybko zaczęła zyskiwać popularność i pozostaje popularna do dziś, choć w nieco zmodyfikowanej formie, bliskiej realiom współczesnego świata. Choć obecnie niezwykle trudno jest znaleźć taki dom, w którym grają zespoły kameralne i gromadzą się miłośnicy tej formy sztuki, różne sale kameralne na całym świecie wciąż przyciągają ogromną liczbę zwiedzających, która nie maleje z roku na rok. Nie można zapomnieć o rozmaitych festiwalach, które nieustannie gromadzą zarówno doświadczonych, jak i początkujących wykonawców.

4, 7 klasa. Krótko

• Ryś - raport wiadomości (klasa 2, 3, 4 na całym świecie)

  Ryś jest ssakiem. Rozmiar rysia wynosi około 90-130 centymetrów długości i około 80 centymetrów w kłębie. Kobiety mają nieco mniejszą wagę niż mężczyźni. Masa samców wynosi 20-25 kilogramów, a samic około 18 kilogramów.

Piosenka ludowa sztuka tradycji ustnej. Od starożytności, od niepamiętnych czasów, powstające pieśni były przekazywane ustnie od jednego śpiewaka do drugiego, od starszego pokolenia do młodszego. Jednocześnie śpiewacy często dokonywali zmian zarówno w słowach pieśni, jak iw melodii. Dlatego każda pieśń ludowa istnieje w wielu odmianach – wariantach, prostszych i bardziej złożonych. Ale prawie zawsze łączy je osobliwa cecha: powtarzające się powtarzanie melodii z różnymi słowami. Podczas gdy główna melodia pieśni powtarza się kilkakrotnie w niezmienionej lub nieco zmienionej formie, tekst poetycki zmienia się i rozwija. To właśnie sprawia, że ​​charakterystyczną cechą formy pieśni jest dwuwiersz.

(Patrz UMK „Rosyjska muzyka ludowa”).

Wiele piosenek stworzonych przez poetów i kompozytorów jest bliskich folkowi: „Sleep My Joy Sleep” (Mozart), „Marmot” (Beethoven), „Nightingale” (Alyabyeva), „Along the Street”, „Red Sundress” (Varlamova) , „ Dzwonek ”(Gurilev).

(Nauka piosenki. Zobacz dodatek muzyczny).

Wraz z pojęciem „muzyki kameralnej” pod koniec XVIII i w XIX wieku termin „muzyka kameralna” romans".

romans ( hiszpański) – nazwa stosunkowo niewielkiego utworu wokalnego na głos z akompaniamentem. W średniowiecznej Hiszpanii słowo „romans” w hiszpańskim dialekcie domowym oznaczało prostą pieśń ludową.

W XVIII wieku romans rozprzestrzenia się we Francji, a później w Rosji.

Wiele rosyjskich romansów z końca XVIII i początku XIX wieku powstało w języku francuskim. (Na przykład romanse O. Kozłowskiego, a nawet A. Dargomyżskiego).

Później romanse w Rosji zaczęto nazywać liryczny, zwłaszcza wrażliwe piosenki miłosne z ich typowymi plastikowymi, miękko zaokrąglonymi okółkami. Tworzyli je nie tylko kompozytorzy, ale także śpiewacy-amatorzy, a nazwiska ich twórców zazwyczaj pozostawały nieznane, np. srebrny księżyc". Takie romanse wykonywano z gitarą - ulubionym instrumentem rosyjskiego życia miejskiego ubiegłego wieku.

Podobna struktura intonacji jest nieodłącznie związana z melodyjnie uroczym codziennym romansem rosyjskich kompozytorów „Nie budź jej o świcie”, „Czerwona sukienka” Varlamova (1801–1848).

"Czerwona sukieneczka"- (uczenie się).

Analiza utworu muzycznego

Piosenka " Czerwona sukienka ”- oryginał w formie. Fabuła wiersza skłoniła do stworzenia kompozycji w formie dialog. Główne wersety (spowiedź córki) zostają zastąpione mniejszymi (odpowiedź Matrony). umiarkowanie szybkie tempo zostaje zastąpione wolnym. W ostatniej strofie, z końcowymi słowami matki (... A ja byłem taki młody), muzyka ponownie powraca do lekkiej tonacji durowej, pierwotnego tempa i materiału tematycznego. Istnieje powszechna forma trzyczęściowa (powtórka) z wewnętrznym rozwojem dwuwierszowym.

Główna, charakterystycznie rosyjska szósta pieśń jest intonowana w nowy sposób w całym utworze.

„Nie szyj ...”, „Nierozłączni”, „Patrzymy na dzieci ...”

Ogólna barwa utworu jest jasna i wyraźna, tylko nieznacznie pokryta zadumanym smutkiem, dobrze kojarzy się z wizerunkiem młodości, z wdzięcznym wizerunkiem rosyjskiej dziewczyny, znanym nam z obrazów rosyjskich malarzy - Wenecjanowa, Tropinina, obraz „Koronkarka” (Analiza i porównanie z romansem).

Młoda dziewczyna jest przedstawiona z wielkim ciepłem. Jej ładna buzia z lekkim uśmiechem jest uprzejmie zwrócona w stronę widza, wydaje się, że zatrzymała się na chwilę, przypinając wzór małą dłonią.

Jednocześnie portret w swej codzienności pozbawiony jest codzienności: ciekawa jest kompozycja postaci, zajmująca całą płaszczyznę obrazu, czyniąc obraz znaczącym i wzniosłym. Artysta afirmuje piękno dziewczyny zajętej codzienną pracą, jednocześnie wnosząc w ten obraz swój ideał piękna: ładność, wdzięk, echa eleganckiej kokieterii XVIII wieku.

rocznie Fiedotow. Portret N. Żdanowicza- siostra przyjaciela artysty, studenta Instytutu Smolnego. Świat portretu to świat młodości i muzyki. Szczupłe i giętkie dziewczęce dłonie wydają się kontynuować swój ruch, powietrze wciąż przesycone jest dźwiękami. Naturalna gracja ruchu, nie ma tu cienia pozowania. Swobodnie, naturalnie i przekonująco pokazane są zamrożone chwile z życia młodego muzyka, który wkroczył w najlepszy okres dziewczęcości.

Pełen wdzięku taneczny refren partii fortepianu przyczynia się do ogólnego wrażenia lekkości i wyrazistości romansu.

Gatunek w czasie romans coraz bardziej odizolowany od pieśni, której zawdzięcza swoje pochodzenie. Strona melodyczna romansów komplikuje się i następuje stopniowe odchodzenie od prostej formy pieśniowej (strofowo-wersowej). Tworząc romanse, które są bardziej dogłębne i złożone w treści, kompozytorzy często stosują kontrastowe zestawienia obrazów. W romansie Glinki „Pamiętam wspaniały moment” po lirycznie lekkiej i delikatnej melodii, która przedstawia główny poetycki obraz wiersza, następuje napięty i dramatyczny epizod - „Minęły lata. Burza to buntowniczy impuls…”. Mówiąc językiem muzyki o tym, jak życiowe trudy i troski rozwiały czarujące wrażenie spotkania z uroczą kobietą, kompozytor przechodzi od plastycznej, typowo romantycznej melodii do napiętej i żywiołowej prezentacji w części środkowej. A potem, zgodnie ze znaczeniem wiersza Puszkina („Dusza doszła do przebudzenia ...”), powraca pierwotny obraz muzyczny, lub można powiedzieć, że nadchodzi powtórka - powtórzenie głównego tematu.

Szeroko używając terminu „romans”, rosyjscy kompozytorzy nie stosowali go do piosenek komicznych, paradyczno-satyrycznych i charakterystycznie codziennych, takich jak „Robak”, „Melnik” Dargomyżskiego.

Wśród różnych gatunków wokalnej muzyki kameralnej poczesne miejsce zajmuje ballada.

Ballada- gatunek pochodzenia ludowego. Jeszcze w połowie stulecia we Włoszech, Francji i Anglii nazywano tak pieśni narracyjne o wyczynach ludowych bohaterów lub o jakichś nadzwyczajnych dramatycznych wydarzeniach.

Ballada To jest historia, ale nie prosta. Elementy fantastyczne muszą być obecne. Jasność wydarzeń, obrazowość muzyki, stopniowy rozwój akcji nie mieszczą się w ramach wiersza lub 3-głosowa forma jest budowana swobodnie, podążając za tekstem.

Serenada- pieśń liryczna przy akompaniamencie lutni, mandoliny lub gitary, wykonywana na cześć ukochanej osoby.

Wokalizuj- utwór bez słów, wykonywany na dowolnej samogłosce („a”). w przeszłości były komponowane w celach edukacyjnych. „Vocalise” Rachmaninowa to piosenka bez słów, o czymś drogim i bliskim.

Msza żałobna- chór żałobny (msza pogrzebowa).

Pytania i zadania dla uczniów

1. Czym jest muzyka kameralna?

2. Czym jest muzyka wokalna?

3. Odmiany muzyki wokalnej.

Zadania praktyczne

2. Naucz się i wykonaj pieśń ludową i romans lub inne gatunki wokalne.

3. Przygotuj się do nauki utworu wokalnego ze swoją grupą.

5. Śpiewaj i dyryguj.

6. Przygotuj rozmowę na temat wybranego utworu wokalnego.

SIERGIEJ WASILIEWICZ RACHMANINOW - 1873-1943 Obwód nowogrodzki

LUDWIG VAN BEETHOVEN (Beethoven) - 1770-1827 Bonn

JOHANNES BRAHMS (Brahms) - 1833-1897 Hamburg

GEORGES Bizet (Bizet) - 1838-1875 Paryż

JAN SEBASTIAN BACH (Bach) - 1685-1750 Eisenach

SIERGIEJ WASILJEWIC RAHMANINOW

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow urodził się 20 marca (1 kwietnia, nowy styl) 1873 r. Przez długi czas za miejsce urodzenia uważano majątek jego rodziców Oneg, niedaleko Nowogrodu. Ostatnie badania nazwały majątek Siemionowo, rejon staroruski, obwód nowogrodzki.Ojciec kompozytora, Wasilij Arkadjewicz, syn Warwary Wasiljewnej i Arkadego Aleksandrowicza Rachmaninowa, pochodził ze szlachty guberni tambowskiej. Matka, Ljubow Pietrowna, była córką Zofii Aleksandrownej i Piotra Iwanowicza Butakowa, którzy na stałe mieszkali w Nowogrodzie.

Zamiłowanie do muzyki było cechą charakterystyczną Rachmaninowów. Wyraźnie przejawiało się to w dziadku kompozytora Arkadego Aleksandrowicza Rachmaninowa. Znakomity pianista, uczeń J. Fielda, występował na koncertach charytatywnych iw salonach muzycznych Tambowa, Moskwy, Petersburga, znał wybitnych muzyków swojej epoki. Talent muzyczny S. V. Rachmaninowa ujawnił się już we wczesnym dzieciństwie. Od 4 roku życia zaczął uczyć się gry na fortepianie, najpierw pod kierunkiem matki, a następnie A.D. Ornatskiej, przyjaciółki rodziców kompozytora. Na początku lat osiemdziesiątych XIX wieku na rodzinę Rachmaninowów spadły ciężkie trudności: zniszczenie materialnego dobrobytu rodziny, sprzedaż Onegi i przesiedlenie do Petersburga.

LUDWIGA VAN BEETHOVENA

Niemiecki kompozytor, słusznie uważany za największego twórcę wszechczasów. Jego twórczość przypisuje się zarówno klasycyzmowi, jak i romantyzmowi; w rzeczywistości wykracza poza takie definicje: kompozycje Beethovena są przede wszystkim wyrazem jego genialnej osobowości.

Bonn w drugiej połowie XVIII wieku było małym pirenejskim miasteczkiem, rezydencją księcia kolońskiego. To tutaj w grudniu 1770 roku urodził się przyszły genialny kompozytor. Dokładna data urodzin Ludwika nie została ustalona, ​​znana jest jedynie data jego chrztu – 17 grudnia.

Księstwo to, jak każde inne w Niemczech, miało charakter kościelny. Ale kościół, ku uciesze mieszkańców, a zwłaszcza licznego dworu i szlachty miejskiej, nie ingerował we wszelkiego rodzaju rozrywki i przyjemności. W czasach, gdy nie było telewizji, radia, komputerów (choć nam, ludziom zepsutym przez cywilizację trudno to sobie wyobrazić), muzyka, muzyka grana na żywo, zajmowała duże miejsce w życiu ludzi.

Ludwig odziedziczył wiele cech swojego charakteru po swoim dziadku, Louisie Beethovenie. Duma, niezależne usposobienie, wytrwałość i skuteczność - wszystkie te cechy były nieodłączne zarówno od dziadka, jak i jego słynnego wnuka.

Przed Ludwikiem Beethovenem wszyscy w ich rodzinie byli prostymi flamandzkimi rzemieślnikami i oraczami. I tylko on miał szczęście zostać muzykiem, co z góry przesądziło o losie Ludwiga. W 1732 roku młody muzyk opuścił rodzinne miasto w poszukiwaniu szczęścia i dobrobytu. Los rzucił go w Bonn. Młody człowiek, który po wielu latach ciężkiej pracy przybył do miasta pieszo z plecakiem na ramionach, został kapelmistrzem w kaplicy dworskiej, co pozwoliło mu zająć poważaną pozycję w społeczeństwie.

JOHANNES BRAHMS

Obok Ryszarda Wagnera najważniejszą postacią twórczą muzyki niemieckiej drugiej połowy XIX wieku jest Johannes Brahms. Twórczość Brahmsa i twórczość Wagnera wyznaczają różne, pod wieloma względami przeciwstawne kierunki i nurty rozwoju niemieckiej sztuki muzycznej. Brahms, w porównaniu z Wagnerem, rozwiązywał inne zadania twórcze, realizował inne cele artystyczne. W przeciwieństwie do Wagnera, który należy całkowicie do Niemiec i kultury niemieckiej, Brahms, który urodził się i wychował w Niemczech, przez znaczną część swojej twórczości związany był z Austrią i Wiedniem; w przeciwieństwie do Wagnera, który poświęcił się całkowicie dramatowi muzycznemu, Brahms nie pisał oper i nie interesował się tego typu twórczością; Brahms nie przepadał też za muzyką programową, taką jak ta napisana przez Berlioza i Liszta. Ale idąc innymi drogami, Brahms stworzył dzieła symfoniczne, kameralne, fortepianowe i wokalne, które zajęły godne miejsce w klasycznym dziedzictwie muzycznym, opartym na życiowych tradycjach sztuki ludowej i narodowej klasyce niemieckiej. Podobnie jak twórczość Wagnera, ale pod innymi względami, twórczość Brahmsa należy do najwyższych osiągnięć muzyki niemieckiej drugiej połowy XIX wieku.

Mocne oparcie się Brahmsa na tradycjach klasycznych, zachowanie historycznie ustalonych form muzycznych - wszystko to przeciwstawiało się Wagnerowskiemu<<бесконечной мелодии>> oraz główne nurty późnego romantyzmu w muzyce. Dlatego Brahms stał się w muzyce niemieckiej ośrodkiem twórczym nurtu przeciwstawiającego się wszystkim tzw<<музыки будущего>>, jak ironicznie nazwano kierunek Liszta w dziedzinie muzyki programowej i Wagnera w dziedzinie dramatu muzycznego. Brahms złożył swój podpis na oficjalnym oświadczeniu przeciw<<музыки будущего>> (wyrażenie<<музыка будущего>> zapożyczone z dzieł literackich Wagnera<<Художественное произведение будущего>>.) i umieszczony w 1860 r. w gazecie<<Берлинское эхо>> (<>). Takie było na ogół stanowisko Brahmsa w muzyce niemieckiej.

Jerzego Bizeta

Georges Bizet urodził się 25 października 1838 roku w Paryżu. Został nazwany na cześć dźwięcznych imion trzech dowódców: Aleksandra - Cezara - Leopolda, ale w rodzinie nazywali się Georges. Dzięki tej nowej nazwie Bizet przeszedł do historii. Jego rodzice byli muzykalni: jego ojciec był nauczycielem śpiewu, jego matka grała na pianinie i została pierwszą nauczycielką muzyki jego syna; w domu Bizeta grano dużo muzyki. Wybitne zdolności Bizeta ujawniły się wcześnie: przez cztery lata znał już nuty, przez dziesięć wstąpił do Konserwatorium Paryskiego, gdzie przebywał przez dziewięć lat. Mimo że, jak później powiedział Bizet, oddawał się muzyce z niechęcią – bardziej pociągała go literatura – zajęcia w konserwatorium były udane. Młody Bizet wielokrotnie otrzymywał nagrody na konkursach wewnątrzkonserwatywnych – w zakresie gry na fortepianie i organach, polifonii i kompozycji, które zakończyły się w 1857 roku dużą nagrodą rzymską, która dawała prawo do dalekiego wyjazdu za granicę. Fenomenalnie obdarzony słuchem muzycznym, pamięcią i intuicją twórczą, Bizet z łatwością opanował wiedzę, którą dawało konserwatorium. To prawda, że ​​​​kurs teorii kompozycji cierpiał na dogmatyzm. Bizet studiował poza murami konserwatorium u Gounoda, z którym mimo znacznej różnicy lat nawiązał ciepłe, przyjacielskie stosunki. Ale musimy też oddać hołd jego bezpośredniemu nauczycielowi, Fromentalowi Halévy'emu, subtelnemu i poważnemu muzykowi, z którym Bizet związał się później, poślubiając jego córkę. W latach edukacji konserwatorskiej Bizet stworzył wiele dzieł. Najlepsza z nich to symfonia napisana przez siedemnastoletniego autora w bardzo krótkim czasie - w siedemnaście dni. Symfonia ta, wydana po raz pierwszy w 1935 roku, jest obecnie wykonywana z wielkim powodzeniem. Jej muzyka przyciąga klasyczną ostrością formy, wyrazistością i żywotnością wyrazu, lekką kolorystyką, która później stanie się integralną cechą indywidualnego stylu Bizeta. W roku ukończenia konserwatorium, skomponowawszy kantatę o starożytnej, legendarnej fabule, wziął udział w ogłoszonym przez Offenbacha konkursie na napisanie jednoaktowej operetki. Wraz z twórczością Lecoqa, który później zasłynął w tym gatunku, nagrodzono operetkę Bizeta Doctor Miracle.Jeśli jednak do tego czasu Bizet o kompozytorze mówiono tylko jako o obiecującym talencie, to jako pianista zyskał powszechne uznanie . Później, w 1863 roku, Berlioz napisał: Bizet czyta partytury niezrównanie... Jego talent pianistyczny jest tak wielki, że żadne trudności nie mogą go powstrzymać w transkrypcji fortepianowej partytur orkiestrowych, której dokonuje na pierwszy rzut oka. Po Liszcie i Mendelssohnie niewielu wykonawców jego siły spędziło lata 1857-1860 jako laureat Konserwatorium Bizeta we Włoszech. To lata zachłannego chłonięcia różnych doświadczeń życiowych, wśród których jednak muzyczne były na ostatnim miejscu. Zły smak zatruwa Włochy, narzekał Bizet. - To kraj stracony dla sztuki. Ale dużo czytał, podróżował, poznawał życie chłopów i pasterzy. Jego twórcza wyobraźnia, jak to będzie później, rozpala się wieloma planami. Mam głowę pełną Szekspira... Ale gdzie znajdę librecistę! Bizet skarży się. Interesuje się także wątkami Moliera, Hugo, Hoffmanna, Homera. Czuje się, że nie znalazł jeszcze tematu bliskiego sobie, twórczo rozproszonego. Ale jedno jest pewne - jego zainteresowania leżą w obszarze muzyki teatralnej. Po części wynikało to ze względów praktycznych – tutaj łatwiej o sukces. Bizet na wpół żartobliwie napisał do matki: Kiedy dostanę 100 tysięcy franków (czyli zaopatruję się na śmierć), tata i ja przestaniemy dawać lekcje. Zaczniemy życie rentiera, co wcale nie jest takie złe. 100 tysięcy franków to drobiazg: dwa małe sukcesy w operze komicznej. Sukces taki jak Prorok (opera Meyerbeera) przynosi prawie milion widzów. Więc to nie jest zamek powietrzny! ..

JAN SEBASTIAN BACH

Johann Sebastian urodził się w rodzinie uważanej za największą muzyczną dynastię w Niemczech. Wśród przodków Bacha szczególnie znani byli Veit Bach, piekarz grający na cytrze, oraz Johannes Bach, muzyk miejski w Erfurcie. Potomkowie tego ostatniego stali się tak sławni, że w niektórych średniowiecznych dialektach niemieckich nazwisko „Bach” stało się powszechnie znane i otrzymało znaczenie „muzyk miejski”.

Ojcem Bacha jest Johann Amvroysky, muzyk miejski.

Wuj Johanna Sebastiana, Johann Christoph, służył w mieście jako organista. Naturalnie przyszły największy przedstawiciel dynastii zaczął studiować muzykę od najmłodszych lat.

1693 - młodszy Bach wstępuje do szkoły kościelnej. Chłopiec ma dobry sopran i robi postępy.

1695 - W ciągu dwóch lat Jan Sebastian traci oboje rodziców. Przygarnia go starszy brat, który służył jako muzyk w Ordfur.

1695 - 1700 - Ohrdruf. Bach chodzi do szkoły i uczy się muzyki pod kierunkiem brata. W tym samym czasie, jako nastolatek, Johann Bach poważnie stracił wzrok – nocami, przy świetle księżyca, przepisywał notatki brata.

Szkolny nauczyciel poleca Bachowi wyjazd do Lüneburga, do słynnej szkoły przy kościele św. Michała. Johann Sebastian przechodzi 300 kilometrów ze środkowych do północnych Niemiec. W Lüneburgu Bach żyje z pełnym wyżywieniem, a nawet otrzymuje niewielkie stypendium. Mistrz organista Georg Böhm zostaje jednym z mentorów przyszłego kompozytora w Lünebur.

1702 - po ukończeniu szkoły Bach ma prawo studiować na uniwersytecie, ale nie stać go na to, ponieważ musi zarabiać na życie. Po pewnym czasie spędzonym w Lüneburgu przyszły kompozytor wraca do Turyngii. Tutaj udaje mu się służyć jako skrzypek w prywatnej kaplicy księcia Johanna Ernesta z Saksonii. Następnie Bach zatrzymuje się w Arnstadt, gdzie spędza 4 lata.

1703 - 1707 - Arnstadt. Bach służy jako organista kościelny, nie przestając studiować muzyki i stylu wykonawczego znanych muzyków tamtych czasów.